Importante núcleo de experimentação em arte e tecnologia em Belo Horizonte, o Marginalia+Lab abre suas portas na próxima sexta com uma nova atração. Trata-se da videoinstalação interativa “lugaralgum | otherwhere”, criada pelo coletivo Marginalia Project em parceria com a artista Luisa Horta.
Neste trabalho, os artistas convidam o público a manipular uma lanterna e explorar, por meio dela, imagens até então ocultas no interior de uma sala escura. “Nesse trabalho, a ideia de interação veio a partir da necessidade de explorar um componente específico da técnica fotográfica: o processo de criação da imagem. Em síntese, nossa ideia foi trazer essa experiência, geralmente restrita ao artista, para o público e o momento da fruição”, conta André Mintz, integrante do Marginalia Project.
“Buscamos explorar o processo construído na presença do público, de acordo com sua subjetividade e seu tempo de interação com cada imagem”, completa. Entre as imagens reveladas pela luz das lanternas, estão interferências presenciais de Luisa Horta em algumas paisagens naturais e outras, projetadas.
Visitação:
17 de novembro a 18 de dezembro, entrada gratuita
Horário:
Quinta a domingo, das 15h às 21h
Local:
Marginalia+Lab (av. Brasil, 75, cj. 3, Santa Efigênia)
Sobre os artistas:
Marginalia Project
Formado por Aline X, André Mintz e Pedro Veneroso, o coletivo Marginalia Project cria trabalhos que abordam a tecnologia de formas não convencionais, imbuindo sua utilização de perspectivas estéticas – geralmente críticas, sempre lúdicas. Em atividade desde 2008, o grupo expôs trabalhos em Belo Horizonte, São Paulo, Recife e Nanchang, China. Desde 2009, o Marginalia Project mantém em Belo Horizonte o Marginalia+Lab, laboratório de arte e tecnologia que já sediou o desenvolvimento de dezenas de projetos, em residências e workshops.
A instalação “lugaralgum” é um desdobramento do protótipo Marginalia 1.0 Beta, primeira experiência do grupo, vencedor do Festival Conexões Tecnológicas, do Instituto Sergio Motta, em 2008.
Luisa Horta
Luísa Horta é artista visual, graduanda em Artes Gráficas e Fotografia pela UFMG. Atua nas artes circenses, na dança e no cinema. É colaboradora frequente de projetos cênicos e performáticos, alternando funções como diretora de arte e pesquisadora. Possui como fio condutor do seu trabalho as relações de tensão e construção do corpo mediado pela arquitetura, investigando a foto e o vídeo como performance e investindo no cruzamento de linguagens como integração das várias facetas de sua formação.
Recentemente fez a direção de arte da cena curta “Rosângelas”, direção de Júlia Branco – selecionada para o Festival de Cenas Curtas do Galpão Cine Horto, participou da residência Ateliê Aberto #2, no espaço cultural Casa Tomada – SP, e das exposições coletivas “Bienal Zero” – Bienal Universitária da América Latina na Escola Guignard e “Corpo Coletivo” no Centro Cultural da UFMG.
Texto: Divulgação
Começa no dia 08 de novembro a exposição Reminiscências Corpóreas, na Galeria de Arte Paulo Campos Guimarães, Foyer da Biblioteca Pública Estadual Luiz de Bessa. A artista plástica Luciana Diniz mostra nesta exposição individual seu trabalho de arte sobre fotografias. Reminiscências Corpóreas é um olhar diferenciado sobre memória e identidade. A imagem se transforma em poesia sobre experiências e percorre um caminho delicado entre o desejo e a aversão, o que seduz e o que banaliza, o implícito e o explícito. A exposição tem entrada franca.
A Artista
Luciana Diniz tem 26 anos e é natural de Belo Horizonte. Designer formada pela Escola de Design da UEMG, trabalha com design gráfico e comunicação visual. Como artista plástica, iniciou seus estudos em 2005 na Escola de Belas Artes da UFMG, em Belo Horizonte. Participou das exposições “EntreRiscos” no Centro cultural da UFMG, “Jovens ilustradores” na Biblioteca Pública da UFMG e “Poligrafic0.5” na Escola de Teatro da UFMG. Foi destaque da FAPEMIG com a apresentação do artigo “Itinerário crítico de Mario Pedrosa: da vanguarda à retaguarda.” em 2008, no Projeto de Iniciação Científica “Historiografia da Arte Brasileira”. O atual trabalho iniciou‐se em 2010 dentro da Escola de Belas Artes e foi um dos vencedores do Edital 2011 da Superintendência de Bibliotecas de Minas Gerais, para a exposição de Artes Visuais.
Visitação:
08 a 30 de novembro de 2011
Horário:
Segunda a sexta das 08 às 20 horas. Sábado das 08 às 12 horas
Local: Galeria de Arte Paulo Campos Guimarães, Foyer da Biblioteca Pública Estadual Luiz de Bessa.
Rua da Bahia, 1889 – Funcionários, Belo Horizonte.
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Professora da Escola de Belas Artes é tem trabalhos expostos nos Estados Unidos
Texto:EBA-Comunicação e Divulgação
A professora Maria do Céu Diel, do Departamento de Desenho da Escola de Belas Artes da UFMG, terá seus trabalhos exibidos em Denver, nos Estados Unidos. Quem recebe a coletânea de obras da professora é a galeria Abecedarian, especializada em livros de artista, trabalhos em papel, colagens e montagens.
A exposição “Paper, Paint and Travel” começa no dia 06 de outubro e fica até o dia 29 do mesmo mês. Com este título, a artista busca mostrar em suas reminiscências de viagens, as memórias híbridas que existem entre o vivido e o sonhado, imagens que se completam no sono. No dia 7 de outubro, haverá uma recepção com a professora.
Entender o luxo na vida contemporânea demanda novas maneiras de interpretação do significado da palavra “luxo”, que adquiriu, durante a evolução da humanidade, novas tentativas de compreensão. Historicamente, a noção de luxo surgiu na França com a apreciação pelas joias e seu fascínio exercido em mulheres e homens. Esse princípio de apreciação estética era exportado pela nobreza francesa para outros países da Europa. Em seguida, o luxo começa a ser praticado pelo universo da moda, também na França.
Contudo, as vivências nas relações das “vidas líquidas” – para utilizarmos a nomenclatura do pensamento do filósofo Zigmunt Bauman – do mundo contemporâneo registra uma nova realidade, pautada especialmente na mudança de paradigmas. A interpretação e compreensão do luxo adquirem novas configurações, as quais direcionaram seu novo entendimento para o universo do abstrato, ou seja, o luxo não é mais a simples tradução de bens materiais e que traduzam a riqueza e a ostentação, mas também o tempo. Este seu aceleramento desenfreado, isto é, a falta de tempo para tudo o que o homem desejaria realizar, tornou-se o principal tema do novo mapeamento para explicar o luxo no contemporâneo.
É óbvio que permanecemos também com a noção de luxo centrada nos bens materiais, símbolos do consumo que agregaram em si o adjetivo “luxo”. É dentro desse princípio de reflexão e discussões que a editora de moda Suzy Menkes, papisa e autoridade do jornalismo de moda britânico e respeitada mundialmente, idealizou e criou, no ano de 2005, o evento que batizou com o gigantesco título “Luxury”. Gigantesco não no tamanho da palavra, mas sim na semântica histórica que ela carrega consigo. Menkes e seus convidados têm se reunido anualmente em cidades no mundo que têm despertado as atenções do planeta. E, pela primeira vez, o evento chega à América do Sul, ao Brasil e, em especial, à cidade de São Paulo. Ganhou um adjetivo ao título original: “Hot Luxury”, e acontece nos dias 10 e 11 de novembro próximo, no Hotel Unique.
No casting de convidados para a edição brasileira, Menkes mesclou nomes tops da criação de moda, mas também nomes de destaque que fazem os bastidores e potencializam o consumo de moda e de luxo pelo planeta. O fotógrafo de moda Mario Testino, os estilistas Sarah Burton (da Alexander McQueen), Diane von Furstenberg, Carolina Herrera, Lenny Niemeyer e Francisco Costa (da Calvin Klein), além do designer de calçados Christian Louboutin, são alguns dos criadores que estarão discutindo moda e suas inter-relações.
Tarcisio D´Almeida é professor e pesquisador do curso Design de Moda da Escola de Belas Artes, da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA-UFMG). tarcisiodalmeida@eba.ufmg.br
Drama. Cena de ´Os Inquilinos´, filme de Sergio Bianchi que será exibido na mostra
Em sua sexta edição, a Mostra Cinema e Direitos Humanos na América do Sul iniciou seu “braço” mineiro a partir do dia 24-11-2011, no Cine Humberto Mauro. Até o início de dezembro, o evento terá passado por todas as capitais do país, mais Brasília.
Na programação, 47 filmes de dez países sul-americanos se revezam até o dia 31. É raro, hoje – ou inexistente -, outro evento cultural que se espalhe de forma tão ampla. Trata-se da conjugação de forças da Secretaria de Direitos Humanos da Presidência da República, com produção da Cinemateca Brasileira (vinculada ao MinC), patrocínio da Petrobras e produções locais (por aqui, fica a cargo da Pimenta Filmes).
Conforme afirma o curador, Francisco César Filho, “a mostra cumpre relevante papel no mapeamento e exibição de uma produção que, infelizmente, desfruta de parca circulação no território brasileiro”. Estão representados na seleção trabalhos da Bolívia, Chile, Colômbia, Equador, Paraguai, Peru, Uruguai, Argentina e Venezuela – além do Brasil.
Para a versão 2011, o curador procurou manter o olhar de outros anos: equilibrar uma certa noção necessariamente sociológica do evento (já que ele é muito claramente aberto à discussão sobre inclusão e questões relativas aos direitos humanos, evidentemente) com um viés de exigência estética que faça os filmes dialogarem com a tradição do cinema em si.
“A arte cinematográfica como opção de linguagem se orienta por obras que priorizam, além da temática, também a criação audiovisual e o apuro técnico”, afirma o curador. “Dessa forma, títulos ficcionais, renomados diretores e atores admirados fazem parte de uma programação que busca atingir também o imaginário do público”.
Daí que o espectador curioso poderá se deparar com obras fortes, como os brasileiros “Os Inquilinos”, de Sergio Bianchi, e “Céu sem Eternidade”, de Eliane Caffé, ou o argentino “Confissões”, de Gualberto Ferrari. Ou mesmo com uma inusitada animação colombiana, “Pequenas Vozes”, de Oscar Andrade e Jairo Eduardo Carrillo, que retrata crianças removidas de suas casas por conta de conflitos armados em seus países.
Um outro destaque de bastante relevância, também brasileiro, é o documentário “Diário de uma Busca”, de Flávia Castro, inédito no circuito de Belo Horizonte (ainda que tenha estreado em outras cidades). Premiado em Gramado no ano passado, segue a investigação da diretora sobre o passado de seu pai, militante político nos anos 1960.
Programação
As sessões da Mostra Cinema e Direitos Humanos ocorrem no Cine Humberto Mauro (av. Afonso Pena, 1.537) de hoje a 31/10.
Como elemento integrante de sua própria lógica, a Mostra Cinema e Direitos Humanos na América do Sul exibe todos os filmes com legendas especiais para deficientes auditivos e audiodescrição a quem é portador de deficiência visual. A entrada é sempre gratuita.
Animação. ´Pequenas Vozes´, desenho produzido na Colômbia sobre crianças fora de suas casas
A programação inclui curtas e longas-metragens, em programas montados de forma que os filmes dialoguem e atraiam mais gente.
“É um marco inegável de sua vocação democrática na difusão dos diversos direitos do homem”, registra o curador, Francisco César Filho, no site oficial da mostra. (MM)
Em comemoração aos 59 anos do Teatro Universitário (TU), a Escola de Belas-Artes recebe, no mês de outubro, diversos espetáculos, workshops e oficinas, promovidos pelo Centro de Documentação do Teatro Universitário (CPD/TU).
Em comemoração aos 59 anos do Teatro Universitário (TU), a Escola de Belas-Artes recebe, no mês de outubro, diversos espetáculos, workshops e oficinas, promovidos pelo Centro de Documentação do Teatro Universitário (CPD/TU).
Nesta segunda, dia 17, às 17h, o professor de Educação Física Gregório Hernández apresentou seu projeto de mestrado, em andamento, que tem como foco o ator e a rua. Formado pelo TU, o estudo de Hernández parte da antropologia ecológica e de performance para unir os dois campos de sua atuação. Hoje, dia 19, quarta, Fernando Linhares discute A máscara como segunda natureza do ator: o treinamento do ator como uma técnica em ação.
No dia 25, terça, das 14h às 17h, o Instituto Universitário Nacional Del Arte, de Buenos Aires, apresenta o espetáculo El cadáver de um recuerdo enterrado vivo. A peça conta a história de uma empresa de alumínio que, após a morte de sua proprietária, vive um surto de depressão entre os funcionários. As entradas serão distribuídas uma hora antes no local.
Na quarta, 26, haverá bate-papo com o ator, pesquisador e professor Renato Ferracini sobre O corpo na arte. As atividades vão até o dia 30 e acontecem na sala Otávio Cardoso da EBA. Veja aprogramação completa.
Nesta segunda, dia 17, às 17h, o professor de Educação Física Gregório Hernández vai apresentar seu projeto de mestrado, em andamento, que tem como foco o ator e a rua. Formado pelo TU, o estudo de Hernández parte da antropologia ecológica e de performance para unir os dois campos de sua atuação. No dia 19, quarta, Fernando Linhares discute A máscara como segunda natureza do ator: o treinamento do ator como uma técnica em ação.
No dia 25, terça, das 14h às 17h, o Instituto Universitário Nacional Del Arte, de Buenos Aires, apresenta o espetáculo El cadáver de um recuerdo enterrado vivo. A peça conta a história de uma empresa de alumínio que, após a morte de sua proprietária, vive um surto de depressão entre os funcionários. As entradas serão distribuídas uma hora antes no local.
Na quarta, 26, haverá bate-papo com o ator, pesquisador e professor Renato Ferracini sobre O corpo na arte. As atividades vão até o dia 30 e acontecem na sala Otávio Cardoso da EBA. Veja aprogramaçãocompleta.
Quatro curtas de alunos e ex-alunos da Escola de Belas-Artes participam da 9ª edição da Mostra Udigrudi Mundial de Animação (Mumia), que acontece até 12 de outubro no Cine Humberto Mauro. Veja a programação no blog da mostra.
O Céu no andar de baixo, de Leonardo Cata Preta, narra a história de Francisco, que registra fatos importantes de sua vida tirando fotografias do céu. Borboleta, de Karla Oliveira, conta o primeiro encontro de uma menina com uma borboleta.
Breves instantes, de Mirian Rolim, trabalha com a ideia da efemeridade barroca através dos tapetes de serragem confeccionados para festas religiosas em Ouro Preto. O professor do Departamento de Fotografia, Teatro e Cinema (FTC) da Escola de Belas-Artes (EBA) Simon Brethé apresenta sua obra Concerto.
A Mumia, que divulga a produção audiovisual de animação, exibe este ano curtas-metragens regionais, nacionais e internacionais. Além do Palácio das Artes, outros pontos de BH, como o Centro de Cultura Belo Horizonte, a Casa do Baile, o Cineclube Joaquim Pedro de Andrade, o Cineclube Sabotage e Cineclube Uma Tela no Meu Bairro, recebem a mostra.
Todas as carreiras têm suas definições, especificidades e destinações. E a moda ainda contempla uma outra noção de pertencimento: a de integrar o que os pensadores da atualidade definem como “indústria criativa”. Ela forma profissionais produtores de bens artísticos e estéticos, mas têm também forte apelo de mercado.
O primeiro autor a observar essa relação da moda com a produção de mercadorias, além de ideais estéticos, foi o filósofo alemão Walter Benjamin. “A moda é filha dileta do capitalismo”, disse no final do século XIX, em Paris, ao produzir as reflexões que integram o livro “Passagens”. Foi ele quem enxergou o que muitos atualmente tentam explicar como duelo entre criação e mercado. Duelo este que, por sinal, direcionou a moda para uma viela em que as regras ditatoriais do mercado esmagam a liberdade autônoma e criativa. Sim, a moda não foge desse embate, pois é uma área que mescla as duas vertentes. Mas sempre penso (e defendo) que é possível ser conceitual. O verdadeiro criador de moda precisa ter assinatura, precisa ser autoral.
Dito isso, podemos pensar especificamente sobre o aspecto criativo e sobre o profissional que se forma em moda. A própria definição do adjetivo para o profissional que atua na área tem se alterado na evolução histórica em decorrência direta de novas percepções sobre a indústria criativa da moda. Na época de criação da alta costura, nos anos 1860, era atribuído ao profissional o adjetivo de “costureiro”. Entramos no século XX e, a partir dos 1960, começa-se a nomear os criadores visionários do prêt-à-porter como “estilistas”. Por uma forte influência da língua inglesa e pelas maneiras de se interpretar o desenvolvimento do design no final do século XX, chama-se os criadores como “designers de moda”.
E, recentemente, em plenos anos 2000, testemunhamos uma nova atribuição para quem cria e produz moda: a de “diretor criativo” e “diretor de estilo”. A papisa francesa do ensino de moda, Marie Rucki, sentenciou recentemente que “acabou a era das grandes estrelas da moda; a direção criativa é o grande futuro da moda”. É importante pensarmos sobre essa nomenclatura, pois ela é reflexo direto de uma nova compreensão das multiplicidades do campo. Para a primeira adjetivação, a de “diretor criativo”, compreende-se toda a configuração de uma nova realidade que contempla, além da noção de estilismo, a ideia de o profissional estar pronto para as adversidades e exigências que a carreira exige. Alguém com formação completa em direções conceituais de estilo, de imagem, de produção, dentre outras.
Já a definição de “diretor de estilo” contempla, hegemonicamente, o profissional que concebe propostas conceituais de estilos de moda. O importante aqui é entendermos que a nova realidade da moda centra-se na questão da criação e como todos a interpretarão. De maneira que o passaporte para o sucesso no mercado que anda saturado de profissionais sem formação forte é o que costumo afirmar como olhar além das fronteiras da obviedade. É preciso enxergar onde não se vê e perceber que as novas sensibilidades demandam estratégias que devem ser, simultaneamente, criativa e mercadológica. Afinal de contas, moda deve ser sempre um exercício estético para a humanidade que a consome simbólica e mercadologicamente.
Tarcisio D´Almeida é professor e pesquisador do curso Design de Moda da Escola de Belas Artes, da Universidade Federal de Minas Gerais (EBA-UFMG). tarcisiodalmeida@eba.ufmg.br
Patricia Franca-Huchet, artista e professora da Escola de Belas Artes da UFMG, apresenta sua obra intitulada “O livro de Zénon Piéters”. Trata-se de um livro de artista.
Zénon Piéters, heterônimo da artista, é um fotógrafo melancólico amador e livreiro que “possui o olhar do pintor, percebe que a realidade das coisas podem ser intensamente apreendidas através de uma transposição sensorial e espiritual sobre a frontalidade (o papel da fotografia e a tela da pintura)”, segundo a própria artista.
A autora escreve um pouco sobre o livro:
“Este livro é um trabalho que envolve um canteiro literário, a figura do heterônimo, uma longa pesquisa, apresentações de imagens, a ficção e a invenção de si mesmo. Não me sinto a autora, mas a compiladora — ou a sonhadora — de uma obra imaginária que é o relêvo de diversos horizontes que afloraram como imagens e textos. (…)
A pintura é uma articulação entre algo cerebral e a matéria e isso é de uma grande sensualidade. Esse tecido entre algo psíquico que atravessa a matéria e que vai surgir na superfície do quadro é um ponto muito avançado, muito sofisticado. Poder-se-ia apontar uma grande força que se encontra no justo desequilíbrio. Zénon parece procurá-lo: o justo desequilíbrio que é a essência de nossa capacidade de ser, ter e estar presente. (…)
A mise-en-scène e a teatralidade da imagem fotográfica e pictural é o que interessa-lhe [Zénon] em seu modo psíquico e mental de lidar com a imagem. É constante leitor de poesia e literatura; isso ajudou-lhe a trabalhar com a realidade. Essa dimensão, nós a encontramos particularmente em sua ambição de prolongar a pintura na imagem fotográfica e lhe dar uma espessura de sentido, até mesmo simbólica — em uma iconografia no presente — mas não sem constatar o quão impossível é o movimento de doação da pintura à câmara escura. Zénon acredita que fazemos passos falsos quando julgamos poder esquecer a grande tradição da arte. Nada de rupturas para Zénon que crê no movimento de abertura oferecido pelos limites dela no tempo. (…)”
Nascido nos anos 20, o art déco trouxe ares de modernidade para as ornamentações arquitetônicas de BH. Muitas décadas depois é a vez do traçado figurar como uma das macrotendências para o verão 2012
A cada nova estação, estilistas e suas equipes vão em busca de inspiração em diferentes épocas do passado. Referências se proliferam a cada seis meses alimentando o público com pitadas de estilos que habitaram as cabeças de artistas e fizeram história, desde os tempos mais remotos (Grécia e Roma antigos) e imemoriais (arte rupestre) ao pretérito mais recente, como o século XX e suas vanguardas artísticas.
Este verão parece ser a vez de resgatar um pouco do estilo arquitetônico das décadas de 1930 a 1950, que influenciaram fachadas de prédios e palacetes ao longo de toda a paisagem belo-horizontina, além de outras cidades como Rio de Janeiro, Nova York, Miami e Paris. As linhas modernistas do art déco saem das construções e estruturam coleções de primavera/verão 2012 de marcas brasileiras como Barbara Bela, Patachou, Acquastudio e Priscilla Darolt.
Segundo o arquiteto e professor da Universidade Federal de Minas Gerais, Leonardo Castriota, a arquitetura predominante desse período recebia originariamente o nome de estilo moderno. “O termo veio da Exposição Internacional de Artes Decorativas de Paris (de 1925) e foi o primeiro estilo que procurou fazer a aproximação entre arte e indústria”. O traço principal do déco está no viés extremamente moderno e, segundo Castriota, pode ser identificado com mais clareza na ornamentação, essencialmente geométrica. “O déco cria uma nova linguagem ornamental e trabalha muito com a ideia de industrialização”. Uma modernidade imaginada que exalava tanto no estilo quanto na mentalidade daqueles que viveram esses anos entre 1930 e 1950, evidenciados no seriado norte-americano Flash Gordon e no frenesi aristocrático com os primeiros dirigíveis.
“Hoje, o moderno ficou muito associado ao estilo à lá Niemeyer. Para se ter uma ideia dessas diferenças de direções, existem duas igrejas em Belo Horizonte do mesmo período, os anos 40. Uma é a Igreja de São Francisco de Assis, de Oscar Niemeyer, na Pampulha, e a São Francisco de Chagas, no Carlos Prates”, exemplifica. “O estilo déco não é a concepção de modernidade que prevaleceu e durante muito tempo foi considerada arquitetura de segunda. Inclusive, ocorreu na cidade um processo de demolição massiva. Contudo, a partir dos anos 90, o estilo voltou a ser valorizado e os exemplares, recuperados”, complementa.
Foto: Paulo Laborne / Divulgação
Inspiração para todos os gostos e estilos
Para a elaboração de sua nova coleção, a estilista Juliana Bocchese, da Bárbara Bela, iniciou a pesquisa a partir da busca de novos tecidos. “Estava doida para mudar a cara da coleção e acabei descobrindo o organza plissado”, explica. Como o tecido é bastante geométrico e dá um caimento mais solto no corpo, explica a estilista, a influência do estilo art déco veio como uma etapa natural no processo criativo. “As coisas surgiram naturalmente e até por forças da contingência”, conta. A partir dos geometrismos e da silhueta mais livre, foi apenas uma questão de tempo para Juliana rememorar a época em que as mulheres se libertaram dos espartilhos e as roupas perderam a rigidez.
Na coleção de Priscilla Darolt, o déco surgiu através do resgate dos loucos anos 20 e do visual da dançarina Josephine Baker. Com cores mais fechadas, como preto-fosco, cinza e amarelo-claro, as construções da coleção vem em formas simples, retas e alongadas.
Já a grife Patachou escolheu o edifício Biarritz, da capital carioca, para desenvolver sua proposta. Construído na década de 40, o prédio alia o glamour do art déco francês ao tropicalismo da praia do Flamengo. Mais colorido do que as formas arquitetônicas vistas por aqui, o Biarritz traz também o mesmo rigor geométrico e a suntuosidade nos materiais como metais nobres, mármore e madeira de lei. Na coleção, tais materiais aparecem na forma de sedas, cetim, renda e tecidos com piquê e casa de abelha, dando textura e relevo às estampas.
Destacada por especialistas como uma coleção cubista, a Acquastudio apostou no forte geometrismo e em peças estruturadas. Trapézio e losangos surgiram também em tecidos mais esvoaçantes. Contudo, as formas mais curvas do déco ficaram de fora. Na época do desfile, Glória Kalil considerou que a estilista da marca, Esther Bauman, errou a mão e não fez jus as formas harmoniosas do período áureo moderno. (ML)
Reconheça o estilo nas ruas
Quer conhecer pessoalmente as linhas que caracterizam o estilo art déco? Faça um tour pela cidade!
Cine Brasil (Praça Sete)
Construído em 1931, o prédio se apresenta como um transatlântico atracado na praça. Com suas linhas e curvas futuristas, o Cine Theatro foi precursor dos primeiros arranha-céus na cidade.
Pirulito (Praça Sete) O obelisco em Homenagem ao Centenário da Independência foi inaugurado em 1924 e faz parte do conjunto de prédios com ares modernistas na Avenida Afonso Pena.
Edifício Acaiaca (Avenida Afonso Pena, 867)
Inaugurado em 1943, o edifício traz dois rostos indígenas com traços astecas, outra influência forte no estilo art déco. Lá já foi um grande centro comercial de BH.
Edifício Sulamérica e Sulacap Concluídos em 1947, as construções faziam um “jogo urbanístico” com o Viaduto de Santa Tereza. Hoje, a visão foi comprometida por inúmeras descaracterizações.
Viaduto Santa Tereza (Região Central)
De 1929, o viaduto foi projetado pelo engenheiro modernista Emílio Baumgart.
Ed. Chagas Dória (Rua Sapucaí, 571)
Atual Fundação Municipal de Cultura, o prédio foi construído nos anos 30 e tombado pelo Instituto Estadual do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado em 1988.
Prefeitura Municipal (Avenida Afonso Pena, 1212)
Com projeto de Luís Signorelli, a construção da prefeitura foi realizada em 1935.
Palacete Dantas (Praça da Liberdade, 317)
De 1916, o palacete já abrigou durante anos a Secretaria de Estado de Cultura.
Minas Tênis Clube (Rua da Bahia, 2244) A sede social do clube foi inaugurada em 1939.
Colégio Izabela Hendrix (Rua Espírito Santo, 2055)
Na entrada do edifício, há a inscrição do ano em que foi concluído: 1940. Elementos art decó estão presentes na sua fachada e internamente.
Palacete Jeha (Avenida Brasil, 1433)
De 1934, a construção é um dos exemplares mais bem conservados do estilo déco remanescentes na cidade. Hoje, abriga um escritório de advocacia.
Sgamellotti: não se faz conservação só com recursos científicos (foto Foca Lisboa)
Há seis anos a comunidade europeia montou infraestrutura física e de especialistas para conservação de seu patrimônio cultural considerada única no mundo. Reunindo 21 instituições, o consórcio, conhecido como Eu-ARTECH, conta com o original Molab, ou Mobile Laboratory, sediado na Universidade de Perugia, na Itália, e, há algum tempo, parceiro da UFMG. Recentemente, o grupo italiano manifestou interesse em formalizar acordos no Brasil, especialmente com a Universidade, ancorado em trabalhos com a Escola de Belas-Artes, que abriga núcleo de reconhecida competência na área. “Queremos dar continuidade aos projetos e promover intercâmbio de professores e alunos”, disse o químico e professor Antonio Sgamellotti, um dos mais respeitados cientistas em conservação da Europa. No início do mês, abriu sua agenda de trabalho no Brasil para receber a reportagem do BOLETIM para a qual concedeu a entrevista que se segue.
Por que investir em um laboratório móvel?
O Molab é a única infraestrutura europeia de conservação do patrimônio cultural que funciona de forma inversa à tradicional. Ou seja, com instrumentos originais portáteis para análise não destrutiva da obra de arte: ela é que vai até o usuário. Isso ocorre porque algumas obras não podem ser movidas no trabalho de conservação, como os grandes monumentos ou afrescos. Há artefatos que são tirados do lugar, mas não é bom movê-los, por dois motivos: Primeiro, por razão ética. Qualquer movimentação causa-lhes um estresse considerável e devemos proporcionar menos traumas possíveis à sua estrutura. O segundo tem motivação econômica: o alto custo dos seguros.
Quando menciona que o Molab possui instrumentos únicos isso significa que há um desenvolvimento específico da indústria para ele? Descreva essa dinâmica de inovação tecnológica definida pela necessidade de conservação.
Há instrumentos produzidos pela indústria para determinados objetivos e depois nós os adaptamos para o uso nos bens culturais. Outros equipamentos são desenvolvidos academicamente e depois sua tecnologia é transferida para a indústria. Em alguns casos, são protótipos únicos, mas, em outros, acabam comercializados com a indústria.
Os estudos do Molab parecem se apoiar numa abordagem mais técnico-científica. No Brasil, no entanto, predomina uma análise mais histórica dos objetos artísticos…
Isso não é apenas no Brasil. Diria que, inicialmente, a história da arte é a história das ideias. Mas, aos poucos, está sobressaindo a visão de que o conhecimento do percurso do artista também traz contribuições, e elas são, naturalmente, interdisciplinares e requerem os cientistas, os conservadores, os restauradores e os historiadores da arte. Creio que o Brasil deva ter o papel de guiar os países da América Latina nesse processo de integração dos aspectos científicos e os histórico-artísticos e de conservação. E, mais particularmente, a UFMG, pela competência que já desenvolveu, tem todas as possibilidades de se tornar o centro de coordenação desse processo. Porém, a interação da ciência com aspectos histórico-artísticos tem como contexto o estágio de desenvolvimento de cada país. O Brasil passa por um desenvolvimento inacreditável e isso é ótimo. Mas quando ocorre de modo súbito e veloz apresenta algum risco: o de perder, durante o processo de modernização, o contato com a realidade histórica, com a identidade do patrimônio – e isso é como perder ou negligenciar a identidade de um país. Creio que o Brasil, por sua dimensão e pela capacidade que possui, não pode permitir que os erros cometidos na Europa aqui se repitam.
Ainda sobre o papel da ciência para a arte e considerando a experiência do Molab: é ela que lidera hoje o aporte de novos conhecimentos a essa área?
A ciência possui importância e autonomia, mas está inserida em certo contexto sociocultural e por isso precisamos de sociólogos, de filósofos e de pensadores nesse processo. Se quisermos conservar o patrimônio não poderemos fazê-lo apenas com recursos científicos. Isso simplesmente não faria sentido. Diria que, para fazer conservação do patrimônio, é necessário educar – não apenas a população, mas, antes, promover treinamento para formar especialistas a par dos problemas e em condições de intervir. Podemos contribuir neste aspecto, mas também queremos receber outros conhecimentos, que podem ser problemas que ocorrem em um clima e em uma realidade diferentes.
As condições ambientais têm imposto algum tipo de desafio para a preservação de patrimônio?
Naturalmente preservar o patrimônio significa preservá-lo em seu meio natural, levando em conta os problemas ambientais. Esta contextualização consiste em restaurá-lo e resguardá-lo por meio do conhecimento, de uma conservação preventiva e de uma manutenção programada. Isto é, tentar prevenir o que pode produzir danos, pois a restauração é apenas o último passo. Levo em consideração que ambiente não é apenas o atmosférico, mas também o social.
O Projeto Portinari criou ponte de trabalho entre a Universidade de Perugia e a UFMG. Essa parceria gerou alguma nova descoberta?
Sobre a obra de Portinari, discutimos problemas diversos, como os relacionados à utilização do pigmento anatásio [óxido de titânio]. Parece que o fenômeno de degradação provocado pelo seu uso está ocorrendo em algumas obras de Portinari.
Ana Maria Vieira
http://www.ufmg.br/boletim/bol1748/6.shtml
Biblioteca "Professor Marcello de Vasconcellos Coelho" da Escola de Belas Artes da UFMG
